Pierre Bonnard : le maître de la luminosité chatoyante, qui a peint des tableaux difficiles et pourtant les a rendus lucides et accessibles

Professeur adjoint d'histoire de l'art, Université nationale australienne

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Pierre Bonnard, contrairement à son contemporain plus âgé, Paul Gauguin, n'a jamais visité l'Australie, mais l'influence de Bonnard sur l'art australien est omniprésente et profonde.

Cette exposition insolite et magnifique à la National Gallery of Victoria nous permet de voir Bonnard comme jamais auparavant.

Cela est dû en partie à la profondeur exceptionnelle de la sélection de plus de 100 œuvres de Bonnard pour cette exposition, largement tirée de la vaste collection détenue par le musée d'Orsay à Paris.

Aussi, en partie, par un coup de génie en chargeant la célèbre architecte et designer parisienne India Mahdavi de créer la scénographie de l'exposition.

L'exposition est comme une collaboration créative entre l'artiste et le designer. Les accessoires architecturaux, les murs peints, les tapis spéciaux et les meubles se combinent pour créer un environnement intime, donnant l'ambiance d'être captivé par la magie de la couleur de Bonnard.

Comme son contemporain, l'artiste russe Wassily Kandinsky, Pierre Bonnard (1867-1947) a d'abord étudié le droit. Après avoir obtenu son diplôme, il l'abandonne pour poursuivre une carrière d'artiste.

Tout comme Kandinsky, il a vécu et travaillé au centre du monde de l'art de son époque. Il a été associé à de nombreux artistes clés, et pourtant, en dernière analyse, Bonnard – comme Kandinsky – était essentiellement un solitaire qui s'est tracé un chemin solitaire.

Dans la dernière décennie du XIXe siècle, Bonnard et plusieurs autres jeunes artistes parisiens, dont Edouard Vuillard, Maurice Denis et le sculpteur Aristide Maillol, forment une confrérie artistique similaire à celle des Nazaréens et des Préraphaélites.

Ils se sont appelés "Les Nabis" (un mot hébreu et arabe signifiant "prophètes") et ont essentiellement adopté la position esthétique du synthétisme de Gauguin.

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L'argument de base du synthétisme était que l'objet d'art produit par un artiste était une synthèse de la propre vision de l'artiste, de sa formation, du médium impliqué, ainsi que du stimulus de la scène ou de l'objet représenté.

En d'autres termes, c'était une théorie qui donnait au créateur une plus grande liberté artistique dans l'interprétation d'une scène ou d'une composition dans une œuvre d'art, plutôt que de simplement la transcrire.

Les premiers chefs-d'œuvre de Bonnard Nabis incluent Twilight, ou Le jeu de croquet (1892), et Paris, rue de Parme le jour de la Bastille (1890). Ceux-ci se délectent des qualités du plan d'image aplati, des points de vue inattendus et des fortes propriétés ornementales.

La Sieste (1900), grand tableau de la collection propre du NGV, fait évoluer Bonnard vers une palette plus légère et plus lumineuse avec des constructions spatiales aventureuses.

Apparemment, il s'agit simplement d'une peinture du modèle présentée dans l'espace intime de l'atelier de l'artiste.

Cependant, lorsque vous entrez dans l'espace de l'image, vous vous rendez compte que la figure est présentée sous un angle élevé. Vous regardez littéralement dans l'espace où la masse de draps froissés et de chair douce et sensuelle rencontre le papier peint et la moquette aux motifs riches qui semblent les envelopper et les entourer.

Bien que la figure dans sa pose puisse faire allusion à une statue bien connue de l'Antiquité classique, l'interprétation est tout à fait moderne. La table de chevet s'avance en diagonale vers le personnage et ouvre l'œuvre à une foule d'interprétations freudiennes.

Alors que Bonnard ici peut bien puiser dans des sources artistiques aussi diverses que Manet, Matisse et Cézanne, la peinture elle-même est une déclaration artistique merveilleusement résolue et unifiée - un triomphe de l'intelligence visuelle.

Il est présenté avec les photographies prises par Bonnard de son modèle qui ont pu servir de matière première à l'artiste.

Bonnard s'est inspiré de la photographie et des angles inattendus et du recadrage des images et a mis en œuvre ces stratégies dans son art.

La fenêtre (1925) est une belle peinture lyrique exécutée par Bonnard lors d'un séjour avec une femme appelée Marthe dans une villa de vacances louée au Cannet, près de Cannes, dans le sud de la France.

En regardant par la fenêtre, on aperçoit les toits rouges de la petite ville du Cannet et au-delà les vastes collines de Cézannes.

Bien que sa principale préoccupation semble avoir été la tentative d'équilibrer les valeurs tonales de sa palette et de créer la structure compositionnelle par la couleur, l'artiste semble également déterminé à charger l'œuvre d'une iconographie privée.

Au premier plan sur la table se trouve un livre et une feuille de papier avec des instruments d'écriture. Sur le balcon, en position centrale, apparaît la tête de Marthe, représentée en lecture de profil.

Le livre est clairement identifié par une inscription sur sa couverture comme étant le roman Marie de Peter Nansen que Bonnard a illustré.

Si l'on additionne les indices visuels, une interprétation possible est que Marie était le vrai nom de Marthe et l'année où le tableau a été peint, 1925, Bonnard a finalement épousé Marthe. On pourrait supposer que le morceau de papier fait allusion à un certificat de mariage.

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En fin de compte, Bonnard était le maître de la luminosité chatoyante qui a peint des peintures très intelligentes et difficiles tout en les faisant apparaître lucides et accessibles. La fenêtre ouverte, l'embrasure de la porte et surtout le miroir sont ses stratagèmes favoris pour donner à l'espace une structure formelle ambiguë mais convaincante.

Ses surfaces peintes ont une présence texturale avec des coups de pinceau saccadés et visibles.

Contrairement aux impressionnistes qui suivaient la voie sûre des couleurs complémentaires contrastées pour les faire vibrer visuellement, Bonnard se fixait des tâches impossibles comme juxtaposer le rose et l'orange ou le jaune citron et le vert olive.

Il projetait alors ses figures centrales à contre-jour et travaillait sur une solution jusqu'à ce que chaque tonalité apparaisse vivante, scintillante et vibrante.

Dans le contexte de l'art australien, des dizaines d'artistes ont répondu à son travail - Emanuel Phillips Fox, Ethel Carrick, John Brack, Fred Williams, Jon Molvig, Brett Whiteley et William Robinson parmi eux.

Bien que j'aie vu de nombreuses expositions Bonnard en Australie et à l'étranger, c'est l'exposition la plus émouvante et la plus subtile que j'ai rencontrée. J'ai quitté le spectacle spirituellement rafraîchi et les larmes aux yeux.

Pierre Bonnard : Designed by India Mahdavi est à la National Gallery of Victoria International jusqu'au 8 octobre.

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